Fotobienale je največji fotografski festival v Rusiji. Razstava poteka vsaki dve leti, izmenično z razstavo “Moda in slog v fotografiji”, ki jo organizira Muzej multimedijske umetnosti nekdanja Moskovska hiša fotografije . Fotobienale je leta 2012 potekal devetič, na njem pa je bilo na ogled več kot 60 razstav. Vsi naj bi bili po načrtu organizatorjev “nanizani” na dve temi: glavno – “Fokus – ZDA” leto 2012 je bilo razglašeno za leto ZDA v Rusiji in Rusije v ZDA ter “Filmski ustvarjalci – fotografi in fotografi – filmski režiserji”.
Chris Marker. Iz serije “Korejci”, 1957
V lasti umetnika in galerije Peter Blum, New York
V nasprotju s prejšnjimi leti leta 2008, na primer, ko je bila v Moskvo pripeljana retrospektiva Andreasa Gurskega, in “Primož” – svetla razstava o zgodovini barvne fotografije v Rusiji, ki so jo pripravili kustosi MDF to ni bil glavni poudarek Photobiennale 2012. Na splošno je letošnji festival v nasprotju z običajnimi “rojstnimi znamenji” festivala na primer nejasnimi temami in odsotnostjo skupnega konceptualnega jedra dajal vtis posebne “zabrisanosti”, kot da so organizatorji izčrpali zanimanje za samo idejo. Pri predstavljanju zakladov fotografije ni – in mnogi so to opazili – prižgal običajne energije ustvarjalnega gorenja in navdušenja. Kljub temu je bil tudi tokrat na ogled zanimiv izbor razstav zahodnih umetnikov, vključno z nekaterimi, ki delujejo na stičišču sodobne umetnosti. Morda so bile najmočnejša točka trenutnega pregleda fotografij.
Modernost, kot vemo, ni le beseda, ki jo uporabljamo za opis naše sedanjosti to bi lahko rekli tudi za naš čas v 16. in 18. stoletju . Modernost je posebna stopnja v razvoju kulture, ko se tradicionalna družba razbije, vrednost vsega inovativnega se poveča, urbano okolje pa postane skupnost stalnih sprememb. Pri tem je ameriška kultura nekakšen osnovni simbol: vedno je bila v ospredju “modernosti”, tako v pozitivnem kot v negativnem smislu. Zato ni čudno, da se predstavitev “problemov sedanjosti” tako dobro ujema z “ameriško temo”. In za Rusijo, z našo nemirno zgodovino, z njeno nenehno željo, da bi dohitela in prehitela vse, z njeno pošastno izkušnjo nasilnih modernizacij in hkrati z njeno nenehno željo, da bi izpadla iz napredka, da bi zamrznila v “duhu skupnosti” in “kolegialnosti”, je to verjetno ena od najbolj nujnih idej za razmislek.
Več projektov tako različnih, a v mnogih pogledih konceptualno in idejno zelo podobnih avtorjev, kot so Stephen Shore, Martin Parr, Taryn Simon, Liu Bolin, Ai Weiwei in Alec Sot, je zagotovilo enoten in skladen akord razmišljanja o določeni temi.
Med njimi je tudi Shoreova knjiga “Neverjetna mesta”. Po potovanju po Ameriki v sedemdesetih letih in objavi knjige Uncommon Places leta 1982 je Shor postal pionir več najnovejših trendov v konceptualni in dokumentarni fotografiji. Njegovi posnetki najpreprostejših prizorov iz vsakdanjega življenja so most med obdobjem, v katerem je nastalo njegovo delo, in našim časom: povojno cestno in ulično fotografijo, rojstvom resnega zanimanja za barvo tu se Shorovo ime omenja poleg Williama Egglestona , “brezbrižno” raziskovalno fotografijo Becherja, vplivom na Nan Goldin, Andreasa Gurskega in Martina Parra ter trenutnim zanimanjem za banalno kot umetniško.
Parra je predstavljal njegov znameniti projekt The Last Refuge. Fotografije New Brightona 1983-85″. Čeprav v sporočilu za javnost piše, da je časopis The Guardian serijo “uvrstil na seznam ‘1000 umetniških del, ki jih morate videti, preden umrete'”, je sprva izzvala zelo mešane odzive. Nekateri gledalci so jo razumeli kot ostro in jedko politično satiro, drugi pa kot posmeh delavskemu razredu, ki preživlja čas v letovišču v Brightonu v angleščini seveda besedna igra: beseda resort pomeni tako ‘zavetišče’ kot ‘letovišče’ . Parrov pogled združuje hladno odtujeno jezo do poniževanja ljudi pred politiki? zaradi neumnosti samih ljudi, ki podležejo manipulaciji? in občudovanje barv, teksture in lepote vsakdana.
Parrjevo delo se ujema s sestavljeno razstavo “Fotografije in besedila” Taryn Simon, ki je bila na ogled na začetku festivala, še pred njegovim uradnim odprtjem. Slike dveh projektov so še posebej impresivne: “Nedolžni” 2003 in “Ameriški katalog skritega in neznanega” 2007 . V prvem so portreti ljudi, ki so bili obsojeni za kazniva dejanja drugih ljudi na podlagi njihove lažne identifikacijske fotografije. testi DNK so bodoče zločince rešili pred usmrtitvijo ali dosmrtnim zaporom, vendar so mnogi odslužili od 10 do 20 let zapora. “Ameriški katalog”. – serija fotografij objektov, ki so temelj in temelj ameriškega življenja, vendar ostajajo “nevidni” povprečnemu državljanu in gledalcu: skladišče jedrskih odpadkov, Inštitut za krioniko, kjer v posebnih kapsulah hranijo zamrznjena trupla, ki čakajo na oživitev, sedež CIA, ki pred pogledom skriva stalno razstavo sodobne umetnosti, katere nekatere zvrsti so ohranjene za promocijo “ameriškega načina življenja”, in tako dalje in tako naprej. Simonova dela, zavestno “nevtralna” in “raziskovalna” ter opremljena s precej dolgimi besedili, prikazujejo neznano, vključno s propagando in ideologijo, ter raziskujejo vrzel med domišljijo, fikcijo, manipulacijo in resničnostjo. pa tudi med besedilom in vizualnimi vsebinami. Simon raziskuje fotografijo kot ozadje sodobnega življenja in opozarja na njeno vlogo pri oblikovanju naše zavesti in nezavednega.
“Nevidni človek” Liu Bolina je razstava, ki je hkrati mehak, a zelo določen komentar kitajskega političnega in družbenega življenja in velikih svetovnih vprašanj na splošno ter presenetljiv razmislek o naravi fotografije, ki raziskuje različne strategije in vrste svetovne likovne umetnosti, optične iluzije in zakone percepcije. Kar je od blizu videti kot fotografija, ki prikazuje vse podrobnosti, je od daleč hieroglif, v katerem se vse “poteze” in “znaki” zlijejo v eno samo podobo, oseba in tudi umetnik pa preprosto izgine.
Sothova “Neusmiljena lepota” se je zdela ponesrečen kuratorski projekt, katerega izbor in postavitev sta zameglila občutek dela enega najzanimivejših umetnostnih dokumentaristov našega časa. Soth je pripovedovalec zgodb in ustvarjalec knjižnih serij, ki daje svojemu delu nenavadno kakovost, ki smo jo že videli pri Simonu in Bolinhu – ironično raziskovanje šivov fotografije kot “medija”, poleg tega precej filmsko, saj celoten prostor filma stisne v živahen, kompleksen en sam kader.
Od podob Shorea, Parra, Simona, Bolinije in Sotha segajo niti do drugih projektov Fotobienala ter združujejo in povezujejo samo strukturo festivala. Arhivske in zgodovinske razstave na eni strani ter stičišče različnih vrst umetnosti, ki jih tokrat predstavljajo predvsem besedilo, fotografija in film, na drugi strani.
Prvi projekti so vključevali veliko razstavo “New York. 1983-1993” kitajskega umetnika Ai Weiweija. Ai Weiwei, ki ga je revija Art Review na lanskem seznamu “vplivnih umetnikov našega časa” označila za “najpomembnejšega”, je bil nekoč uradno priznan avtor, leta 2008 pa je postal eden od kitajskih simbolov opozicije. Umetnika so pretepli, ker je podprl neodvisno preiskavo potresa v Sečuanu, vključno s korupcijo v gradbeništvu; nato so ga aretirali, uničili njegov studio, proti njegovemu projektantskemu podjetju pa sprožili postopek zaradi utaje davkov. Ljudje so zanj z naročnino zbrali 1 milijon evrov. Projekt, ki je bil predstavljen na Photobiennalu 2012, je nastal veliko pred zgoraj opisanimi dogodki. Na razstavi je na ogled približno 200 fotografij New Yorka od 10.000 , med njimi izbor enega najbolj znanih svetovnih fotografov. . Gre za nekakšen potopis, le da ni pisan na roko, temveč s fotoaparatom in postane vseobsegajoča enciklopedija lokalnega življenja. Občudovanje Zahoda, podrobna dokumentacija srečanj z umetniki, med katerimi so tudi slavni fotografi, kot je Robert Frank, in preprosto vsakdanji prizori, vključno z življenjem priseljencev, so na ogled v Ai Weiweijevem projektu. Pronicljivo oko zmedenega obiskovalca iz tuje kulture z drugačno estetsko tradicijo paradoksalno opazi in odseva nekaj osnovnega, visceralnega in pomembnega v New Yorku, hkrati pa fotografsko razkriva plasti vizualnega, ki jih je sama kultura že pozabila.
Zgodovinska plast Photobiennala je vključevala še vsaj tri zanimive razstave: Iz srca Walterja Rosenbluma “socialno usmerjena” dokumentarna fotografija Hineovega in Strandovega učenca , Amerika, videna iz avtomobila Leeja Friedländerja eden zadnjih projektov pionirja ulične fotografije, črno-beli odsevi Amerike v vzvratnem ogledalu, presenetljivi preseki vsakdanjih prizorov in nepričakovani zorni koti in New York. 1955″, ki ga je nekoč proslavil William Klein prekršil Cartier-Bressonovo zapoved “nevidnega fotografa”, opustil tehnično popolnost v prid spontanosti in povzročil škandalozno sled obtožb proti 27-letnemu avtorju, da je prikazal Američane kot preveč neprivlačne, New York pa kot revno mesto .
Med njimi sta tudi dve izjemno zanimivi “arhivski” razstavi: “Umetnost arhiva. Fotografije iz arhivov losangeleške policije” in “Fearless Genius: The Digital Revolution in Silicon Valley 1985-2000” avtorja Douga Menuza. Obe razstavi se zdita zanimivi predvsem zaradi samega gradiva, dokumentacije dogajanja. Toda ob podrobnejšem pregledu se poraja vprašanje, ki se je v zgodovini fotografije že večkrat pojavilo – o izmuzljivi meji med registrom, družbenim in umetniškim.
“Umetnost arhiva” predstavlja približno 100 fotografij, posnetih od 20. do 50. let prejšnjega stoletja; negativi so bili po naključju najdeni leta 2001. Ob pogledu na te posnetke krajev zločina, dokazov, žrtev, morilcev z roparji in trupel se postavljajo vprašanja o transgresiji in mejah sprejemljivega, o tem, v kolikšni meri je treba podobe, namenjene občinstvu prekaljenih strokovnjakov in kriminologov, predstaviti povprečnemu gledalcu, ter o nezavednih estetskih težnjah, ki si jih umetnik bodisi izmisli bodisi pobere iz zraka. Na neki točki se vam zazdi, da je vse skupaj nekako manj šokantno kot delo Joela Petra Witkina in ta prikazuje pravo stvar in ne umetnikove predelave . Verjetno zato, ker je “arhivska in reportažna” fotografija tudi na razstavi še vedno dojeta kot preveč znano ozadje.
Vsako fotografijo Douga Menuza ki jo je fotograf posnel v 15 letih spremlja izredno podroben komentar o zgodovini različnih projektov v Silicijevi dolini začel je sodelovati s Stevom Jobsom . Toda celotno serijo bi težko označili za koherentno pripoved. Gre za zbirko zgodb, v katerih imata vizualno in verbalno enako vlogo. Ko prehajate s karte na karto, se vedno bolj zavedate, da ne gledate le učbenika zgodovine. Postopoma ustvari presenetljivo celovito sliko o tem, kako deluje ameriška kultura in zakaj so se v njej inovacije tako dobro uveljavile. Neposreden odmev je tudi “ideološki” spor med Kleinom in Cartier-Bressonom glede ne udeležbe in ne vidnosti fotografa na dogodku: Menyes je bil “vključeni opazovalec”, ki je s svojimi junaki preživljal dobesedno dneve in noči. Svoj projekt imenuje “iskanje vizualne antropologije”.
Tema arhivov in zgodovine je dobila sodoben pridih na dveh drugih razstavah na bienalu: “Umetnik s slabim fotoaparatom” fotografije Miroslava Tikhoya in “Devet oči Googlovega Street Viewa” Johna Ruffmana. Ti razstavi pripovedujeta dve povsem različni in nekoliko nasprotujoči si zgodbi. Prvi govori o avantgardnem češkem fotografu, ki ga je totalitarna država potisnila na rob. Drugi govori o vseprisotnem, neosebnem, a nepričakovano osebnem pogledu sodobne tehnologije, o vseobsegajočem informacijskem hrupu, ki ga ustvarja in ki preprečuje uresničitev ideje zasebnosti, distance in samote. Oba pa se sprašujeta o tanki meji med surovostjo in tehnično popolnostjo, amaterizmom in mojstrstvom, umetnikovo občutljivostjo in norostjo, umetnostjo in estetskimi “smetmi”.
Tema kinematografije, ki je brat dvojček ali otrok fotografije, je bila na Fotobienalu prisotna ne le v projektih, ki so bili neposredno posvečeni določenim filmskim ustvarjalcem na primer dve razstavi o Ingmarju Bergmanu . “Filmski” je celo “enostaven” videz dokumentarnega filma, ki se izkaže za. Tako se presenetljiv in dolgotrajen projekt Petra Hugoja “Hijena in drugi” sprašuje o prisilnem igranju in igri, o naravnem in umetnem v družbenem svetu kaj je pomembneje: prenehati mučiti živali ali se posvetiti revščini nasilnih ljudi ? . Nepričakovani utrinki teme so se pojavili celo v losangeleških arhivih, ko se je izkazalo, da so policijski fotografi v studiih enega “najbolj filmskih” mest na svetu opravljali delo igralcev in posnemali žanr filma noir.
Fotograf je postal režiser, režiser pa fotograf – običajna pot avtorja dvajsetega stoletja. Navajeni smo na Sarah Moon, redno udeleženko festivala pri letošnjem projektu Črna kapica. Fotografska serija Wima Wendersa “Slike površine”, ki je temeljna za novi nemški film, ki jo je režiser začel ustvarjati v zgodnjih osemdesetih letih prejšnjega stoletja in se nadaljuje še danes, je nekakšen “vizualni haiku”. “Močne” in “atmosferične” barvne panoramske fotografije velikega formata spominjajo na filme samega Wendersa in dela Becherjevih učencev, ki dokumentirajo barve kot tok življenja in meje praznine kot koncepte. Kot slike Chrisa Markerja, režiserja, fotografa in filozofa, presenečajo s kompleksnostjo pripovedi, zapakirane v en sam kader, za katerim se skriva skrivnost neprekinjenega toka časa in brezno utrinkov zgodovine nekoga drugega. v Ljubljani smo si ogledali štiri Markerjeve serije in več filmov hkrati. “Korejci” 1957 je črno-bela klasika, posneta med potovanjem v Severno Korejo. Koliko je ura??” 2004-2008 – zamegljeni, prikriti pogledi “dobrodušnega paparaca” v pariški podzemni železnici, ki svoj fotoaparat skriva v zapestni uri: smeh ob pogledu na nekaj, kar je skrito zunaj okvirja, zamišljen pogled vstran in stran ob pogledu na nekaj zunaj okvirja slike. “V Dürerjevih motivih” je instalacija – “vrnitev” k starodavnim grafikam, “Silent Cinema” 1995 in “Empty People” 2005 sta še dve instalaciji o nelinearnosti zgodovine, o nizanju podobe, besedila in pomena. In nazadnje “Runway” 1962 , film, sestavljen iz fotografskih podob, ki deli čas na ločene komponente in vzporedne prostore ter pripoveduje zgodbo o junakovem obstoju v treh časovnih plasteh.
Slovenščina del festivala je v primerjavi z zahodnimi razstavami tradicionalno “šibkejši”. Zanimivih razstav je bilo tu nekajkrat manj in tudi moskovska izkušnja Harryja Gruyereja “Ljubljana 1989-2009” je bila bolj povezana z besedili kot s fotografijo.
Med razstavami je treba posebej omeniti razstavo “Izbrano” Aleksandra Sliussareva: na njej so bila razstavljena samo črno-bela dela iz let 1966-1993 in dela z začetka devetdesetih let., vse v avtorjevem tisku, večinoma iz družinskih arhivov. Razstava je prijetno presenetila z odličnim kuratorskim delom, skrbnim in premišljenim izborom, ki je združil že znano in novo.
“Arkadij Šajhet. Nadaljevanje. 1928-1931”, razstava, ki jo je pripravila Maria Zhotikova-Shaykhet, vnukinja slavnega fotografa, je zelo zanimiva. Kljub temu, da je skoraj na vsakem posnetku očitno prisotna himna socialističnemu gospodarstvu – nove hiše, papirnice, industrijski obrati -, Shaykhetove slike nerazumljivo prikazujejo celotno spodnjo plat teh dosežkov: revščino, ki jo je podedovala nova država, in nečloveški pritisk na te ljudi, ki ga je povzročila nova vlada. Pa tudi navadno, vsakdanje, zasebno življenje, ki se prebija skozi vsako zatiranje – celo zatiranje države, ki si je zadala preoblikovati človeško naravo. V tem smislu so še posebej zanimivi posnetki iz Srednje Azije. “Časovni stroj. Barva 1930-1970 Vladislava Mikoša je odmev na “Primrose”. Kamerman, fotograf, znan vojni poročevalec in kronist sovjetskega življenja, ki je leta 2009 praznoval stoto obletnico, je tu predstavljen kot eden od pionirjev barvnega filma.
Filmsko tematiko v “ruskem delu” sta predstavljala projekt ob deseti obletnici filma “Ruska skrinja” Aleksandra Sokurova in razstava “Notranjost. Natura. Paviljon Vladimirja Mišukova fotografije s snemanja filma Andreja Zvjaginceva “Elena” . To je morda vse – in potem so tu še majhne razstave več pomembnih sodobnih umetnikov v moskovskih galerijah.
Festival na splošno pušča neprijeten priokus. Ko je projekt končan, se premišljenemu kritiku, ki si osveži spomin na vse projekte, nenadoma zazdi, da Fotobienale prikazuje temeljne težnje našega časa, resnično predstavlja obsežno celovitost. Poleg tega je bilo kot vedno veliko dobrih razstav zahodnih avtorjev, ki so jih pripravili zahodni kustosi MDF ima vedno odličen občutek za končni izdelek, ki ga je treba pripeljati v Rusijo . Hkrati pa same razstave nenehno in po navadi dajejo vtis kaosa in razpadanja na posamezne dele, odsotnosti jasne strukture in jasno opredeljenega splošnega koncepta ter zrelega in živega kuratorskega dela Slovenščinah strokovnjakov in jasnega razumevanja mesta ruske kulture v globalnem procesu. Nikakor nisem prepričan, da lahko večina gledalcev, ki se ne ukvarja s celodnevno analizo globalnih umetniških trendov, vse to poveže v celoto. Še toliko bolj, ker se je letos moral ukvarjati z več avtorji, ki so precej težko prebavljivi in za našo kulturo niso posebej organski. In ne vem, kolikokrat bom moral reči, da je čas, da gremo naprej, in ali bo to sporočilo uslišano – ali pa bo festival še naprej stagniral kot običajno in postopoma izgubljal zanimanje občinstva.
Ai Weiwei. Restavracija na Lower East Side. 1988
© Ai Weiwei. Z dovoljenjem Fotografskega umetniškega centra Tri sence
William Klein Štiri ženske, supermarket, 1955 © William Klein
Vladimir Mišukov Na snemanju filma Andreja Zvjaginceva “Elena”
Doug Menyes Neustrašni genij: digitalna revolucija v Silicijevi dolini 1985-2000.
Steve Jobs govori o desetletnem ciklu tehnološkega razvoja. Sonoma, Kalifornija, 1986
Neznani avtor Policistke vadijo streljanje na strelišču. 1968
© Policijska uprava Los Angeles Vljudno vabljena fototeka Los Angeles
Ingmar Bergman na snemanju filma Fanny in Aleksander
Fotograf Arne Carlsson © 1982 AB Svensk Filmindustri, Svenska Filminstitutet
Liu Bolin Urbana kamuflažna serija – 36, 2007
“Zberite svoje misli in izboljšajte svoje znanje” © Z dovoljenjem Liu Bolin/Galerija Pariz-Peking
Liu Bolin Urbana kamuflažna serija – 16, 2006
Državljan in policist #2 © Z dovoljenjem Liu Bolin/Galerija Pariz-Peking
Harry Gruyere Slovenija. Ljubljana. Okrožje Vinzavod. 2009
© HARRY GRUYAERT/MAGNUM PHOTOS
Vladislav Mikosha Ljubljana. 1960-e
Stephen Shore Ginger Shore,
Causeway Inn, Tampa, Florida, 17. november 1977
Kje lahko najdemo več informacij o Photobiennale 2012?